KIKI, "ESA CHICA DEL MONTPARNASSE"

Reinó con el nombre de Kiki, pero se llamaba Alice Prin. Musa de este barrio parisino, entre 1920 y 1940 posó desnuda para los mejores pintores y fue amiga de los artistas más relevantes de la época: Cocteau, Chagal, Eisenstein… Un libro-cómic recrea la vida de esa joven de provincias que se convirtió en soberana de la bohemia.



Alice Ernestine Prin, más conocida como Kiki de Montparnasse, fue modelo de artistas franceses, cantante de cabaret, actriz, cronista, pintora.

- Primeros años -

Alice Prin nació en Châtillon-sur-Seine, Côte d'Or, el 02 de Octubre de 1901. Hija ilegítima, se crió en la pobreza extrema con su abuela. A los doce años, fue enviada a vivir con su madre en París con el fin de encontrar trabajo. Primero trabajó en las tiendas y panaderías, y a la edad de catorce años empezó a posar desnuda para escultores. Allí encontró algo parecido a la felicidad: una irreverente manera de vivir y amores fugaces, como lo fueron los Felices veinte, la paz de Versalles y su juventud malversada en los espejismos del alcohol. Cuando su madre la sorprendió posando desnuda, la llamó «puta asquerosa» y la repudió. Tenía 17 años y estaba sola, en la calle y sin recursos. Vivió con un pintor que la animaba a hacer la calle; pero Kiki nunca llegó más lejos de enseñarle los pechos a un viejo por tres francos.

Comienza su fama


Kiki se convirtió en un referente en la escena social de Montparnasse y una gran modelo de artistas populares, posando para docenas de ellos, como Chaim Soutine, Julian Mandel, Tsuguharu Foujita, Francis Picabia, Jean Cocteau, Arno Breker, Alexander Calder, Per Krohg, Hermine David, Pablo Gargallo, Mayo, y Toño Salazar. Moise Kisling pintó un retrato de Kiki titulado Nu assis, uno de sus más conocidos.

Durante la década de 1920 fue modelo de Man Ray, que hizo centenares de retratos de ella. Ella es el tema de algunas de sus más conocidas imágenes incluyendo la notable imagen surrealista Le violon d'Ingres y Noire et blanche.

Kiki apareció en nueve cortos y películas experimentales, incluso "mécanique" de Fernand Léger Ballet sin ningún tipo de crédito.


Todo el mundo en Montparnasse decía que era alegre, sensual y provocativa. Pero a menudo caía en una especie de tristeza al atardecer y cantaba baladas que la hacían llorar a mares. Le gustaba airear sus aventuras y con el primer café de la mañana podía confesar: «Hoy me han dado un buen revolcón».















Ilustraciones y la autobiografía

En 1927, Kiki hace una exposición-venta de sus pinturas en la Galerie au Sacre du Printemps, en París. Firma su trabajo con su solo nombre elegido. Sus dibujos y pinturas de retratos, autorretratos, actividades sociales, animales de fantasía, y paisajes de ensueño compuesto por una luz, un poco desigual, de estilo expresionista, es un reflejo de su curso de manera fácil y optimismo sin límites.

Su autobiografía fue publicada en 1929, "Memorias de Kiki", con introducción de Ernest Hemingway y Tsuguharu Foujita. En 1930, el libro fue traducido por Samuel Putnam, y publicado en Nueva York por Black Manikin Press, pero fue inmediatamente prohibida por el gobierno de los Estados Unidos. "Memorias de Kiki" quedó prohibido en los Estados Unidos hasta la década de 1970, cuando todavía era celebrado en la sección de libros prohibidos en la New York Public Library. Su autobiografía, finalmente vió reedición en 1996.

Kiki se presentaba en performances de music hall vestida de negro con ligas incluidas ante una muchedumbre, cantando canciones subidas de tono, desinhibida, pero inofensivas. Durante algunos años durante la década de 1930, fue dueña de un cabaret de Montparnasse, que llamó Chez Kiki.


Símbolo del París bohemio y creativo, a la edad de veintiocho años fue declarada la reina de Montparnasse. Incluso en tiempos difíciles, mantuvo su actitud positiva, diciendo "todo lo que necesito es una cebolla, un poco de pan y una botella de vino tinto, siempre voy a encontrar a alguien que me ofrecen eso". Ella salió de París para evitar al ejército alemán de ocupación durante la Segunda Guerra Mundial, que entró en la ciudad en junio de 1940, y nunca regresó como residente.

(Pablo Gargallo, "Kiki de Montparnasse", Bronce, 1928)

(Kiki,1920, por Gustaw Gwozdecki)

- La muerte y el legado -

Kiki murió en 1953 en Sanary-sur-Mer, Francia a la edad de 51 años, por complicaciones con el alcoholismo o la drogodependencia. Una gran multitud de artistas y aficionados asistieron a su funeral de París y siguieron la procesión hasta su entierro en el Cimetière du Montparnasse. Su tumba se identifica como "Kiki, 1901-1953, cantante, actriz, pintora, reina de Montparnasse". Tsuguharu Foujita ha dicho que, con Kiki, los días gloriosos de Montparnasse fueron enterrados para siempre.

Mucho tiempo después de su muerte, Kiki sigue siendo la encarnación de la franqueza, la audacia y la creatividad que caracterizó ese período de la vida en Montparnasse.

-COMIC "KIKI DE MONTPARNASSE"-

La novela gráfica - "Kiki de Montparnasse" (Ediciones Sinsentido, Madrid, 2008, trad. de Lucía Bermúdez Carballo), con ilustraciones de Catel Muller y textos de José-Louis Bocquet. Se trata de una biografía novelada de la reina de la bohemia parisina de principios del siglo XX.

Catel Muller ilustra libros infantiles y colabora en varias revistas. Su trabajo en el cómic fue descubierto en el Festival Internacional de Cómic de Angoulême donde recibió el premio del Público en 2004 por Le Sang des valentines.
José-Louis Bocquet es periodista, crítico literario, autor y guionista de cómic. Kiki de Montparnasse es su primera novela gráfica, pero ya colaboró en varia biografías como las de Hergé, Clouzot o Goscinny.

GLORIA SWANSON: "AMANECER, OCASO, AMANECER..."

Gloria Swanson nació en Chicago, el 27 de marzo de 1899. Brilló como una de las principales estrellas del cine mudo en los años 20 y 30, y tras una larga retirada recuperó su fama en 1950, a edad madura, con "El crepúsculo de los dioses" (Sunset Boulevard) de Billy Wilder.


Su nombre completo era Gloria Josephine Mae Svensson y era hija de un soldado de ascendencia sueca. Su infancia transcurrió en Puerto Rico, Chicago y Florida. Desde muy joven se sintió atraída por el mundo de la interpretación.

Gloria Swanson (March 27, 1899 – April 4, 1983), American actress. She was most prominent during the silent film era as both an actress and a fashion icon, especially under the direction of Cecil B. DeMille. She was also one of the first stars to challenge the Hays Code by producing the banned Sadie Thompson in 1928. In 1929, Swanson successfully transitioned to talkies with The Trespasser. However, personal problems and changing tastes saw her popularity wane during the 1930s. Today she is best known for her role as Norma Desmond in the film Sunset Boulevard (1950).

Inicios con Charles Chaplin

Swanson debutó en 1915 con The Fable of Elvira and Farina and the Meal Ticket, de Roy Baker, y ese mismo año trabajó con Charles Chaplin en Charlot cambia de oficio (1915).

En Hollywood comenzó a tener éxito cuando el productor Mack Sennett le hizo formar pareja con Bobby Vernon. Aunque Swanson compaginó estas comedias con dramas, pronto se cansó de los títulos de Sennett. Su oportunidad de desligarse de él llegó cuando los estudios Keystone se declararon en bancarrota.


Carácter difícil

Pasó a la compañía Triangle y su primer título allí fue You Can’t Believe Everything (1918), de Jack Conway. Sus diferencias creativas con los ejecutivos causaron numerosos problemas al estudio, y después de ocho títulos sin trascendencia la actriz acabó su contrato justo cuando el estudio entraba también en bancarrota.

Esplendor con Cecil B. De Mille

Fue el director Cecil B. De Mille quien convirtió a Swanson en una auténtica estrella. Su primer título juntos, A los hombres (1919), renovó ya el aspecto de la actriz. La fama que alcanzó hizo que las revistas estuviesen continuamente pendientes de sus movimientos, y su forma de vestir causó sensación. Swanson se compró una mansión y se convirtió en la reina de los estudios Paramount.

A mediados de la década de los veinte, Swanson era una de las actrices mejor pagadas de Hollywood. Era la época de títulos como La octava esposa de Barba Azul (1923), una comedia romántica dirigida por Sam Wood, y Más fuerte que su amor con Rodolfo Valentino, también dirigida por Wood, adaptación de la novela de Elinor Glyn Beyond the Rocks. De esta película se recuperó una copia en abril de 2004, después de décadas de darse por perdida para siempre.

Otros títulos de entonces son Zaza (1923), de Allan Dwan, basada en la obra romántica de Pierre Bretón, y Sadie Thomson (1928), un drama dirigido por Raoul Walsh que le valió a Swanson una nominación al premio Oscar a la mejor actriz. Otro de los títulos emblemáticos de la década fue, sin duda, Queen Kelly (1929), el drama de Erich von Stroheim que se convirtió en la primera película sonora de éxito de la actriz.






Vida agitada


En 1919 se divorció de su primer marido y se casó con el productor Hernbert Somborn, matrimonio que duraría hasta 1922. A lo largo de su vida, Gloria Swanson se casó en seis ocasiones y tuvo tres hijos, uno de ellos adoptado.

En 1924 obtuvo los derechos de una obra de teatro titulada Madame Sans Gene y el permiso para rodar en Francia. Durante el rodaje de la película conoció a su tercer marido, el marqués Henri de la Falaise de la Coudraye.

Mientras continuaba su carrera con Paramount, Swanson decidió crear su propia productora para conseguir el control absoluto de sus películas: Gloria Swanson Productions, que fundó junto a Joseph Kennedy (que era su amante) en 1927. El amor de Sonia (1927) y La frágil voluntad (1928) las hizo en el seno de esa productora, proporcionándole, respectivamente, problemas financieros y de censura.







Crisis: llega el cine sonoro


Cuando se implantó el cine sonoro, Swanson tenía treinta años. Había estudiado canto y consiguió adecuar su voz a los incipientes sistemas de grabación. Su primer sonoro, La intrusa (1929), de Edmund Goulding, fue un éxito de público, lo que le permitió firmar un interesante contrato con Metro Goldwyn Mayer. Pero, a pesar de los esfuerzos de la actriz, su época de esplendor parecía haber terminado. Tras el fracaso de Música en el aire (1934), de Joe May, se retiró temporalmente, aunque siguió trabajando en radio.


Romance con un Kennedy

Swanson estuvo relacionada sentimentalmente con el productor Joseph P. Kennedy, padre del que fuera presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, romance que le ayudó a convertirse en uno de los personajes más poderosos de la industria cinematográfica del momento.






Reaparición: Sunset Boulevard

La llegada del cine sonoro produjo tal crisis en la carrera de Gloria Swanson que ella decidió retirarse de la interpretación. A pesar de ello, en su madurez participaría en cinco películas más, la primera de ellas Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses) de Billy Wilder (1950). Se cuenta que aceptó el papel por consejo del director George Cukor, en contra de la opinión de otras estrellas del cine mudo, como Mary Pickford y Mae Murray, que criticaron el argumento de la película por considerar que daba una imagen negativa de su trabajo.

Swanson llevaba varios años retirada del cine, pero asumía su declive y seguía activa en un programa de televisión, The Gloria Swanson Hour, por lo cual reaccionó positivamente cuando le ofrecieron el papel. Su interpretación de Norma Desmond en esta película le valió una nominación al premio Oscar a la mejor actriz, y se cuenta que otra diva del momento, Barbara Stanwyck, se inclinó a besarle el bajo del vestido, impresionada. La revista Time publicó: «En Sunset Boulevard, lo peor de Hollywood es mostrado por lo mejor de Hollywood».

Nuevamente de actualidad gracias a este éxito, acudió a la I edición del Festival de San Sebastián y le ofrecieron más papeles, si bien en producciones con más presupuesto que talento como La amante de Nerón, Killer Bees (Las abejas asesinas) y la película de catástrofe Aeropuerto 75.

Interpretando a Norma Desmond, Swanson decía en esta película: «Sin mí no existiria la Paramount», lo que probablemente fue real durante sus años de esplendor.

La actriz murió en Nueva York víctima de un ataque al corazón a los 86 años de edad.

*OSCAR GUSTAV REJLANDER* (SUECIA)

Oscar Gustav Rejlander, fotógrafo sueco afincado en Inglaterra, nacido en 1813 y muerto en 1875, uno de los pioneros de la fotografía artística en la época victoriana.

Su fecha exacta de nacimiento es incierta, aunque es muy probable que se produjera en el año 1813. Estudió arte en Roma, instalándose posteriormente en Lincoln (Inglaterra). Abandonó su profesión inicial de pintor y retratista de miniaturas, tras comprobar cómo la fotografía conseguía los logros que a él se le negaban. Tambień se dice que su decisión fue motivada por los consejos recibidos de uno de los asistentes de William Fox Talbot.

Probablemente alrededor del año 1846 se instaló como retratista en la ciudad industrial de Wolverhampton. Más tarde, 1850, aprendió el proceso del colodión húmedo a gran velocidad, cambiando su actividad por un estudio de fotografía. En estos primeros momentos se dedicó al retrato fotográfico y a la fotografía de desnudo, para la que empleaba como modelos a chicas del circo de Madam Wharton, chicos de calle y jóvenes prostitutas -su serie con Charlotte Baker alcanzó cierto éxito.

Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en los temas de la alegoría, el mito, la historia. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos (montando, coloreando, etc.) con tal maestría que no se nota el retoque. Esta técnica sería empleada por los fotógrafos de las vanguardias del siglo XX.

Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, incluyendo un procedimiento de impresión fotográfica del cual parece ser su inventor. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopiló la obra inicial de Rejlander y colaboró en resolver los problemas técnicos de éste. A Rejlander se debe uno de los más conocidos retratos de Lewis Carroll.

Partició en la Exposición de París de 1855, realizando dos años más tarde su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado Los dos caminos de la vida. Fue realizada mediante la combinación de 32 negativos. Exhibida por primera vez en Mánchester, para la realización de la obra empleó fondos pintados y realizó fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos,... Si bien hay cierta incoherencia en la disposición de los personajes, resulta ser una fotografía muy lograda. Presenta una composición geométrica dividida por la figura del Patriarca, cuyo objetivo es ofrecer un mensaje moral al mostrar el mal a la izquierda y el bien a la derecha, de forma más luminosa y donde se halla la virtud, el trabajo, las buenas costumbres,... Dada cuenta que la imagen muestra una parcial desnudez provocó cierto escándolo social, lo que le valió acusaciones sobre el empleo de jóvenes prostitutas como modelos. El escándalo fue acallado cuando la propia Reina Victoria I de Inglaterra le encargó una copia para regalar al príncipe Alberto. Este hecho provocó su éxito comercial y su calificación como el fotógrafo del poder.

Trasladó su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición, el fotomontaje y la manipulación y el retoque fotográfico. LLegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos y realizando diversas publicaciones, lo que le valió ser considerado como uno de los padres de la fotografía artística.







Sus obras se enmarcan dentro de la Fotografía academicista donde no se persigue un fin realista sino una recomposición ideal conforme a unas normas prefijadas, ideales y morales establecidas por la clase social conservadora.

Otra de las obras conocidas de Rejlander, sobre todo por las críticas recibidas de sus detractores, es Rejlander el pintor presentando a Rejlander el voluntario, 1871. El autor busca en ella que se vea el truco a fin de que el espectador admire su técnica. La intención de la obra es mostrar la disposición del artista hacia el poder.

Oscar Gustave Rejlander (Sweden 1813 – Clapham, London on 18 January 1875) was a pioneering Victorian art photographer.

His exact date of birth is uncertain, but was probably 1813. He was the son of Carl Gustaf Rejlander, a stonemason and Swedish Army Officer. He studied art in Rome where he saw photographs of the sights, and then initially settled in Lincoln, England. He abandoned his original profession as a painter and portrait miniaturist, apparently after seeing how well a photograph captured the fold of a sleeve. Other accounts say he was inspired by one of Fox Talbot's assistants.

He set up as a portraitist in the industrial Midlands town of Wolverhampton, probably around 1846. Around 1850 he learned the wet-collodion and waxed-paper processes at great speed with Nicholas Henneman in London, and then changed his business to that of a photography studio. He undertook genre work and portraiture. He also created erotic work, using as models the circus girls of Mme Wharton, street children and child prostitutes - his Charlotte Baker series remains notorious.

Rejlander undertook many experiments to perfect his photography, including combination printing from around 1853, which it is possible he may have invented. He was a friend of photographer Charles Lutwidge Dodgson (better know by the nom de plume Lewis Carroll), who collected Rejlander's early child work and corresponded with him on technical matters. Rejlander later created one of the best known & most revealing portraits of Dodgson.

His early work only slightly sullied his later reputation, and he participated in the Paris Exhibition of 1855. In 1857 he made his best-known allegorical work, The Two Ways of Life. This was a seamlessly montaged combination print made of thirty-two images (akin to the use of Photoshop today, but then far more difficult to achieve) in about six weeks. First exhibited at the Manchester Art Treasures Exhibition of 1857, the work shows two youths being offered guidance by a patriarch. Each youth looks toward a section of a stage-like tableaux vivant - one youth is shown the virtuous pleasures and the other the sinful pleasures. The image's partial nudity was deemed 'indecent' by some - and those familiar with Rejlander's more commercial work might also suspect that prostitutes had been used as cheap models. But the 'indecency' faded when Queen Victoria ordered a 10-guinea copy to give to Prince Albert.

Despite this royal patronage, controversy about The Two Ways of Life in strait-laced Scotland in 1858 led to a secession of a large group from the Photographic Society of Scotland, the secessionists founding the Edinburgh Photographic Society in 1861. They objected to the picture being shown with one half of it concealed by drapes. The picture was later shown at the Birmingham Photographic Society with no such furore or censorship. However the Photographic Society of Scotland later made amends and invited Rejlander to a grand dinner in his honour in 1866, held to open an exhibition that included many of his pictures.

The success of The Two Ways of Life, and membership of the Royal Photographic Society of London, gave him an entree into London respectability. He moved his studio to Malden Road, London around 1862 and further experimented with double exposure, photomontage, photographic manipulation and retouching. He became a leading expert in photographic techniques, lecturing and publishing widely, and sold portfolios of work through bookshops and art dealers. He also found subject-matter in London, photographing homeless London street children to produce popular 'social-protest' pictures such as "Poor Joe" and "Homeless".

He married Mary Bull in 1862, who was twenty-four years his junior. Mary had been his photographic model in Wolverhampton since she was aged 14.

Charles Lutwidge Dodgson visited Rejlander's Malden Road studio in 1863 and was inspired to set up his own studio. Around 1863 Rejlander visited the Isle of Wight and collaborated with Julia Margaret Cameron.

Some of Rejlander's images were purchased as drawing-aids to Victorian painters of repute, such as Sir Lawrence Alma Tadema. In 1872 his photography illustrated Darwin's classic treatise on The Expression of the Emotions in Man and Animals.

He became seriously ill from about 1874. Rejlander died in 1875 with several claims on his estate, and costly funeral expenses. The Edinburgh Photographic Society raised money for his widow on Rejlander's death, and helped set up the Rejlander Memorial Fund.

Rejlander's ideas and techniques were taken up by other photographers and this, to some extent, justifies labelling him as the father of art photography.

+: George Eastman House
http://www.geh.org/fm/rejlander/htmlsrc/index.html

FABIO BORQUEZ, "LA ARQUITECTURA DE LA MUJER"

Viernes 05, febrero 2010


FABIO BORQUEZ, LA ARQUITECTURA DE LA MUJER



La fotografía de desnudo es una fotografía de geometrías. Existe en ella una arquitectura sostenida en elementos como la iluminación, el escenario, el encuadre, la pose, entre otros. En la producción de Fabio Borquez, vemos que la composición toda es una arquitectura apoyada en la modelo, son fotos reveladoras. Sus modelos, que él conoce en shootings, castings ó que simplemente ha encontrado en la calle, tienen personalidad:

“Las elijo según su aura, su todo... no me guío con estereotipos de mujer, sino que me parece que cada una puede desde su caparazón, mostrar su alma desnuda... y eso es lo que aspiro a la hora de retratarlas, vestidas, desnudas... revelándose a sí mismas, reverenciando su condición de mujer y enarbolando la bandera de lo estético por sobre todas las cosas...". Es el triunfo de su femineidad conectada a una confianza total con el fotógrafo lo que las hace aparecer al mismo tiempo, a estas “victoriosas” un término acuñado por el artista, distendidas y a la vez apasionadas.

Cuando él comenta sobre su fotografía de desnudos, el artista se refiere a ejemplos históricos en el arte. La mujer desnuda ha sido representada desde siempre en el antiguo Egipto, Grecia y Roma y en ningún momento, ellos la han reducido solo a su sexualidad. ¿A quién se le ocurriría llamar a las bellezas de Rembrandt ó a la Venus de Milo objetos sexuales?

Hay momentos, en los que Fabio Borquez también refleja temas clásicos, en particular cuando abandona el estudio con el objeto de trabajar en locaciones privadas, hoteles u outdoors, a menudo bajo las mismas condiciones técnicas.

El cuerpo femenino es una herramienta estética que le sirve a este artista para reflexionar sobre el sentido de la belleza, así como sobre el sentido mismo de la vida. Desde cuartos de habitación, en los balcones o en la calle misma, los personajes de Fabio Borquez son ante todo expresiones de estado de ánimo y de puesta en escena. Son, en definitiva, figuras arrebatadas a un escenario en el que lo que cuenta es la propia persona en su desnudez, en su belleza y en su esencia misma.

Sus trabajos de desnudos femeninos han sido exhibidos en museos y galerías de arte alrededor del mundo. Así mismo han sido publicados sus trabajos en Playboy, GQ ó en revistas mundialmente conocidas, ha participado asimismo de varios libros, a fines de 2008 aparece su libro "Chicas", publicado por la editorial DAAB (NY, London; Köln) con gran repercusion no solo en Europa sino en el mundo entero


Nacido en 1964 en Argentina, Fabio Borquez estudió arte, fotografía y arquitectura en Buenos Aires. Varias becas lo llevaron a la India, Colombia y Alemania. Hasta que encontró a su esposa alemana en las Playas de Miami, donde después de sólo cinco minutos, le afirmó que él se casaría con ella. Ella fue la razón por la que renunció a la vida que llevaba hasta ese momento a fin de seguirla a Alemania, donde vive desde 2001 en los alrededores de Düsseldorf. Aquella pasión es la misma que despliega en cada toma hasta el día de hoy, como digno “Fine Art Photographer”.







- ENLACES -



New Book by DAAB publisher

http://www.daab-online.com/books/Photo_Books/photography/Borquez__-_CHICAS.html

WEB

http://www.fabioborquez.com/portfolio.pdf

http://www.fabioborquez.com/helmutundich.pdf

http://www.flickr.com/photos/fabio-borquez/

Video: “Locos por el arte”, un film de Martin Lambrechts

http://www.youtube.com/watch?v=ObgX4KgX07U&feature=player_embedded

-EN ALEMANIA -



- Fabio Borquez -

Nordkanalalle 48

Neus 41464

Móvil: +49 (0) 21313140896

Handy: +49 (0) 1774248853

E-mail: fabio@fabioborquez.com

- PRENSA EN BUENOS AÍRES-


Carlos Rouen Menard (Carlos Alberto Viera)

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